O que não muda em 2026: os fundamentos que ainda moldam a indústria da música

Todo ano, a indústria da música prevê sua próxima transformação.

Novas plataformas. Novos formatos. Novas estratégias. Novas regras. E não há dúvida de que muitas coisas estão prestes a mudar em 2026.

O que sempre me pergunto, no entanto, é a suposição de que, só porque tantas coisas estão mudando na indústria da música, os fundamentos de algum modo deixariam de se aplicar.

Do meu ponto de vista como profissional de marketing musical, o oposto também parece verdadeiro.

À medida que a indústria continua a evoluir e crescer em escala, o básico não fica em segundo plano. Pelo contrário, fica mais difícil de ignorar.

A música ainda faz o trabalho pesado

O que não muda na indústria da música é o papel da própria música.

O gosto musical é subjetivo, obviamente. O que toca uma pessoa pode deixar outra totalmente indiferente. Mas ainda há uma verdade fundamental difícil de ignorar: a música precisa atingir um certo patamar para realmente ressoar. O comportamento de escuta na última década não mudou tanto quanto gostamos de afirmar. Apenas uma pequena porcentagem dos lançamentos realmente gera repetidas audições. O consumo global de música segue crescendo ano após ano, mas o valor ainda se concentra na música à qual as pessoas retornam — não na que elas apenas passam e esquecem.

Marketing, conteúdo e tendências podem amplificar músicas. Podem ajudar algo a viajar mais rápido ou mais longe. Mas não podem fabricar uma conexão emocional. A atenção até pode ser criada, mas o sentimento não. Como Dave diz em My 27th Birthday: “Enquanto contamos números, como a música faz você se sentir?”

A relação artista-ouvinte ainda é o centro

Sabe o que mais não vai mudar em 2026? O relacionamento entre artistas e seus fãs.

Com toda a complexidade que adicionamos a esta indústria, essa parte continua surpreendentemente simples.

Carreiras surgem quando um artista cria músicas que realmente importam para os fãs.

Todo o resto — plataformas, ferramentas, equipes, estratégias — existe para apoiar a relação entre artistas e ouvintes, não para substituí-la. Sempre que perdemos de vista esse núcleo fundamental, as coisas rapidamente ficam confusas, caras e excessivamente complexas.

Para saber mais, leia Compreendendo a Jornada do Fã

Onde os dados terminam e a cultura começa

Outro fundamento que não vai mudar este ano é o fato de que a cultura sempre se move mais rápido do que os dados. Sou um grande defensor dos dados por trás da música. Como profissional de marketing musical, streams, salvamentos, pulos, compartilhamentos, curvas de crescimento e fluxos de receita são inestimáveis para entender o que já aconteceu. Eles me ajudam, assim como nossa equipe, a diagnosticar problemas, identificar padrões e evitar agir completamente no escuro.

É importante ressaltar que os dados são sempre retrospectivos. Muitas vezes, têm dificuldade para captar sinais iniciais—antes mesmo de haver algo para medir.

A música circulando pelo boca a boca. Grupos de conversa. Mensagens privadas um a um. Pequenas comunidades se formando ao redor de um artista. O jeito como as pessoas começam a se vestir, falar ou se identificar com eles. A sensação em uma sala quando um artista sobe ao palco e uma música específica é tocada ao vivo.

Alguns dos sinais mais significativos na música são sentidos muito antes de poderem ser medidos.

Os profissionais de marketing musical que mais se destacam não escolhem entre dados e instinto. Eles aprendem a ler ambos—e, tão importante quanto, a saber quando confiar em cada um deles.

O álbum ainda não morreu

Todos os anos ouvimos que o álbum morreu. Ele já foi declarado morto há décadas. E sim, vivemos em um mundo movido por singles. As estratégias de lançamento são flexíveis. Nem todo artista precisa mais lançar um álbum.

Mas os álbuns nunca deixaram de importar para fãs e artistas. Eles apenas deixaram de ser obrigatórios em toda estratégia de lançamento.

Para alguns artistas, álbuns ainda proporcionam contexto, coerência e identidade. Singles criam momentos. Álbuns constroem uma história e, às vezes, até um universo. Quando um álbum chega, ele dá aos fãs algo para viverem dentro, não só algo para clicar.

Essa diferença ainda importa.

O hype passa. Catálogo de qualidade se acumula

Valor sustentável em 2026 (e além) vem da longevidade, não do hype.

A atenção de curto prazo é barulhenta. O valor de longo prazo é silencioso. Momentos virais queimam rápido. Catálogo cresce devagar.

Isso é algo que selos independentes entendem instintivamente. Receita previsível raramente vem de picos. Ela vem do uso diversificado e de cauda longa — streaming, físico, sincronização, licenciamento.

A longevidade ainda vive nos discos (e na música) aos quais as pessoas retornam.

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Os formatos físicos ainda importam

Os formatos físicos foram e voltaram, mas nunca desapareceram completamente. As vendas de vinil nos EUA já crescem há quase duas décadas seguidas, chegando perto de 50 milhões de unidades por ano. Esse crescimento não é sobre conveniência. É sobre intenção.

Quando fãs compram música em formato físico, eles não estão otimizando. Eles estão se comprometendo. Estão dizendo: isso importa o suficiente para ser meu.

Os formatos físicos não sobreviveram por acaso. Eles sobreviveram porque a conexão entre a música e os fãs nunca ficou totalmente digital.

A posse da música ainda tem valor.

A contracultura ainda impulsiona a cultura

Outro fundamento que não vai mudar em 2026 é onde a cultura realmente começa: nas margens. O núcleo do mundo da música é a contracultura. A maioria dos grandes movimentos musicais começou nas margens. Hip hop. Disco. Punk. Jungle. House. Rock. Jazz. Samba. Alguns chegaram até a ser ilegais! O samba, por exemplo, foi criminalizado e ativamente perseguido no Brasil no início do século XX.

Nenhum desses movimentos foi criado para agradar as massas. Eles surgiram de cenas, comunidades e contextos sociais específicos, muito antes da indústria aprender a embalá-los e vendê-los para o resto do mundo.

O que muitas vezes chamamos hoje de “nicho” geralmente é apenas cultura em estágio inicial. Focado, não pequeno.

O engajamento ainda começa dentro das cenas antes de se espalhar para fora. A contracultura é criada nas cenas; a exposição apenas a torna visível.

A curadoria humana não está desaparecendo. Está ressurgindo

Há anos, espalha-se a ideia de que a curadoria humana e a descoberta estão mortas. Mas à medida que a descoberta se torna mais automatizada, o cansaço com a mesmice dos algoritmos começa a aparecer.

Já existem evidências de que ouvintes mais jovens não estão descobrindo mais músicas por causa dos algoritmos. Em muitos casos, estão descobrindo menos.

Entre a Geração Z, amigos e o boca a boca superam consistentemente os feeds algorítmicos como principais formas de descoberta. Em pesquisas com locutores de rádios universitárias com menos de 25 anos, quase 70% citaram recomendações pessoais como seu principal meio de encontrar novas músicas.

Ao mesmo tempo, espaços liderados por pessoas estão silenciosamente crescendo novamente.

Estações de rádio universitária que antes tinham dificuldades para preencher a programação agora estão com excesso de procura. Plataformas como NTS Radio, Colors e Bandcamp, junto a formadores de opinião como Dereck Gee, que conquistaram credibilidade ao longo do tempo, continuam apresentando novas músicas com mais eficiência do que sistemas criados para reforçar o que já é conhecido. A curadoria humana não é eficiente em escala.

Mas ela cria contexto. E contexto está se tornando cada vez mais valioso para os ouvintes, não menos.

O ao vivo e o presencial ainda importam mais do que nunca

À medida que a criação e a descoberta de música tornam-se mais automatizadas, as experiências ao vivo estão ganhando ainda mais peso cultural, não menos.

A COVID e os confinamentos fizeram parecer que experiências presenciais eram coisa do passado. Mas os últimos anos mostraram o contrário. Os fãs não querem apenas acesso aos artistas. Eles querem momentos compartilhados, físicos, com o artista e com outros que amam a mesma música. As experiências ao vivo são onde se constrói confiança entre artistas e fãs, onde a identidade do fã se forma e onde a comunidade se torna palpável.

Já estamos vendo artistas experimentando este equilíbrio. Fred again.., DJ AG e ARI at Home mostraram novas formas de usar apresentações ao vivo para criar conexão primeiro e depois deixar as plataformas digitais amplificarem esse vínculo. As festas presenciais de audição também estão se tornando mais populares, promovendo comunidade nesse processo.

Em cada caso, o momento ao vivo não é substituído pelas experiências online. É ele que dá significado a esse alcance.

Fazer turnês é caro, e nem todo artista consegue expandir o ao vivo da mesma forma.

Mas a participação, a proximidade e a experiência compartilhada estão se tornando mais valiosas especialmente na era da IA.

Selos independentes continuam sendo investidores culturais

Muita gente gosta de falar sobre o fim dos selos independentes. Hoje em dia, artistas podem seguir carreira solo. Para alguns, esse é realmente o caminho certo para suas carreiras.

Mas para muitos artistas, as realidades de criar, divulgar e monetizar sua música podem ser esmagadoras. Por isso tantos escolhem trabalhar com selos independentes para impulsionar suas carreiras.

Os dados da ORCA contam uma história clara sobre o papel que os selos independentes ainda desempenham. Só em 2023, os selos analisados investiram US$ 134 milhões em 569 artistas — cerca de US$ 236 mil por artista.

Quase metade desse investimento foi direcionada para infraestrutura, equipes e capacidade a longo prazo. O resultado: quase US$ 239 milhões em receita, com uma parte significativa retornando aos artistas.

Os melhores selos independentes não são apenas intermediários. Eles estão assumindo riscos financeiros e criativos reais, apostando em carreiras sustentáveis, não apenas em momentos virais.

Estrutura é o que torna o crescimento possível

Uma coisa que não mudou em nada é a seguinte: a música só gera dinheiro em escala se houver infraestrutura conectando todas as partes.

Por fora, a indústria da música pode parecer enganosamente simples. A música é criada. As músicas são disponibilizadas. Os fãs dão o play. As reproduções viram números. Os números viram royalties.

Mas o que parece simples por fora sempre dependeu de algo muito mais complexo para se manter de pé.

Metadados, contratos e direitos definem a propriedade. Registros tornam as reivindicações compreensíveis. Licenciamento permite o uso da música. Relatórios e pagamentos transformam o uso em renda.

Nada disso é novidade. O que mudou foi o volume.

Ainda é possível criar hype, mas manter um negócio depende de uma infraestrutura sólida e de dados precisos funcionando silenciosamente nos bastidores.

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Construa para o que é duradouro

O que não vai mudar em 2026 é isso: as ferramentas vão continuar evoluindo e as manchetes continuarão mudando.

Mas os artistas e selos que permanecem não são aqueles que correm atrás de cada previsão ou mudança do mercado. Eles constroem em torno do que é duradouro: música forte, identidade de marca clara, relações de confiança, infraestrutura sólida e comunidade de verdade.

Olhar para frente nem sempre é prever o que vem a seguir.

Às vezes é lembrar do que ainda funciona — e ter disciplina para ignorar novidades chamativas e manter o foco no que realmente dá resultado.