Lo que no cambia en 2026: los fundamentos que siguen moldeando la industria musical

Cada año, la industria musical predice su próxima transformación.

Nuevas plataformas. Nuevos formatos. Nuevas estrategias. Nuevas reglas. Y no hay duda de que muchas cosas están a punto de cambiar en 2026.

Sin embargo, lo que sigo cuestionando es la suposición de que porque tantas cosas están cambiando en la industria musical, de alguna manera los fundamentos dejan de aplicarse.

Desde mi punto de vista como comercializador de música, también siento que es al revés.

A medida que la industria sigue evolucionando y creciendo en escala, lo básico no pasa a un segundo plano. Al contrario, se vuelve más difícil de ignorar.

La música sigue haciendo el trabajo duro

Lo que no cambia en la industria musical es el papel que la propia música desempeña.

El gusto musical, obviamente, es subjetivo. Lo que conmueve a una persona puede dejar totalmente frío a otra. Pero aún hay una verdad central que es difícil de eludir: la música tiene que superar cierto umbral para conectar realmente. El comportamiento de escucha durante la última década no ha cambiado tanto como nos gusta contar. Solo un pequeño porcentaje de lanzamientos llega a tener reproducciones repetidas. El consumo global de música sigue creciendo año tras año, pero el valor todavía se concentra en la música a la que la gente vuelve, no en la que pasan de largo y olvidan.

El marketing, el contenido y las tendencias pueden amplificar canciones. Pueden ayudar a que algo viaje más rápido o más lejos. Pero no pueden fabricar una conexión emocional. Se puede diseñar la atención, pero no el sentimiento. Como dice Dave en My 27th Birthday: “Mientras contamos números, ¿cómo te hace sentir la música?”

La relación artista–oyente sigue siendo el núcleo

¿Sabes qué más no va a cambiar en 2026? La relación entre los artistas y sus fans.

Por toda la complejidad que hemos añadido a esta industria, esta parte sigue siendo sorprendentemente simple.

Las carreras se construyen cuando un artista crea música que importa a los fans.

Todo lo demás —plataformas, herramientas, equipos, estrategias— existe para apoyar la relación entre artistas y oyentes, no para reemplazarla. Siempre que perdemos de vista este núcleo fundamental, todo tiende a volverse ruidoso, costoso y demasiado complejo muy rápido.

Para más información, lee Understanding the Fan Journey

Dónde termina el dato y empieza la cultura

Otro fundamento que no va a cambiar este año es el hecho de que la cultura siempre se moverá más rápido que los datos. Creo mucho en los datos detrás de la música. Como marketer musical, las reproducciones, guardados, saltos, compartidos, curvas de crecimiento y flujos de ingresos son invaluables para entender lo que ya ha pasado. Nos ayudan a mi equipo y a mí a diagnosticar problemas, identificar patrones y evitar andar completamente a ciegas.

Lo importante a destacar es que los datos siempre miran hacia atrás. Suelen tener dificultades para captar las señales tempranas, antes de que haya algo que medir.

La música que se mueve de boca en boca. Chats de grupo. Mensajes privados uno a uno. Pequeñas comunidades que se forman alrededor de un artista. La forma en que la gente empieza a vestirse, hablar o identificarse con él o ella. Lo que se siente en una sala cuando un artista sube al escenario y se toca una canción en vivo.

Algunas de las señales más importantes en la música se sienten mucho antes de que se puedan medir.

Los marketers musicales que causan el mayor impacto no eligen entre datos o instinto. Aprenden a leer ambos y, igual de importante, cuándo confiar en cada uno.

El álbum aún no ha muerto

Cada año, escuchamos que el álbum ha muerto. Se ha declarado muerto desde hace décadas. Y sí, vivimos en un mundo enfocado en los singles. Las estrategias de lanzamientos son flexibles. Ya no todos los artistas necesitan hacer un álbum.

Pero los álbumes nunca dejaron de importar realmente a los fans de la música y a los artistas. Solo dejaron de ser obligatorios en cada estrategia de lanzamiento.

Para algunos artistas, los álbumes todavía dan contexto, coherencia e identidad. Los singles crean momentos. Los álbumes construyen una historia y a veces hasta un mundo. Cuando llegan los álbumes, le dan a los fans algo en lo que vivir, no solo algo en lo que hacer clic.

Esa distinción sigue siendo importante.

La moda pasa. El catálogo de calidad se consolida

El valor sostenible en 2026 (y más allá) viene de la longevidad, no de la moda.

La atención a corto plazo es ruidosa. El valor a largo plazo es silencioso. Los momentos virales se consumen rápido. El catálogo crece despacio.

Esto es algo que los sellos independientes entienden de manera instintiva. Los ingresos predecibles rara vez vienen de picos. Vienen del uso diversificado y a largo plazo: streaming, formatos físicos, sincronización, licencias.

La longevidad todavía vive en los discos (y la música) a los que la gente regresa.

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Los formatos físicos siguen importando

Los formatos físicos han subido y bajado, pero nunca han desaparecido por completo. Las ventas de vinilos en EE. UU. han crecido durante casi dos décadas seguidas, alcanzando cerca de 50 millones de unidades anualmente. Ese crecimiento no trata de conveniencia. Se trata de intención.

Cuando los fans compran música en formatos físicos, no están optimizando. Se están comprometiendo. Están diciendo: esto importa lo suficiente como para poseerlo.

Los formatos físicos no sobrevivieron por accidente. Sobrevivieron porque la conexión entre la música y los fans nunca fue completamente digital.

Ser dueño de la música todavía tiene importancia.

La contracultura sigue impulsando la cultura

Otro fundamento que no cambiará en 2026 es dónde realmente comienza la cultura: en los márgenes. El núcleo del mundo de la música es la contracultura. La mayoría de los grandes movimientos en la música empezaron en los márgenes. Hip hop. Disco. Punk. Jungle. House. Rock. Jazz. Samba. ¡Algunos hasta eran ilegales! El samba, por ejemplo, fue criminalizado y perseguido activamente en Brasil a principios del siglo XX.

Ninguno de estos movimientos fue diseñado para atraer a las masas. Surgieron de escenas, comunidades y contextos sociales muy específicos, mucho antes de que la industria aprendiera a empaquetarlos y venderlos al resto del mundo.

Lo que hoy muchas veces llamamos “nicho” normalmente es solo cultura en una etapa temprana. Enfocada, no pequeña.

La participación sigue comenzando dentro de las escenas antes de expandirse hacia afuera. La contracultura se crea en las escenas; la exposición solo la hace visible.

La curaduría humana no está desapareciendo. Está resurgiendo

Durante años, la gente ha especulado que la curaduría humana y el descubrimiento están muertos. Pero a medida que el descubrimiento se vuelve más automatizado, el cansancio ante la homogeneidad algorítmica comienza a notarse poco a poco.

Ya hay evidencia de que los oyentes más jóvenes no están descubriendo más música por culpa de los algoritmos. En muchos casos, en realidad descubren menos.

Entre la Generación Z, los amigos y el boca a boca superan de manera constante a los feeds algorítmicos como medios para descubrir música. En encuestas a locutores de radio universitarios menores de 25 años, casi el 70% mencionó las recomendaciones personales como su principal forma de encontrar música nueva.

Al mismo tiempo, los espacios liderados por personas están creciendo silenciosamente otra vez.

Las radios universitarias que antes luchaban por llenar su programación ahora están sobresuscritas. Plataformas como NTS Radio, Colors y Bandcamp, junto con prescriptores como Dereck Gee, que han ganado credibilidad con el tiempo, siguen presentando música nueva de manera más efectiva que los sistemas diseñados para reforzar lo ya conocido. La curaduría humana no escala de manera eficiente.

Pero crea contexto. Y el contexto se está volviendo más valioso para los oyentes, no menos.

Los eventos en vivo y presenciales importan más que nunca

A medida que la creación y el descubrimiento musical se vuelven más automatizados, las experiencias en vivo están cobrando más peso cultural, no menos.

El COVID y los confinamientos hicieron que pareciera que las experiencias en vivo y presenciales eran cosa del pasado. Pero los últimos años han demostrado lo contrario. Los fans no solo quieren acceso a los artistas. Quieren momentos físicos y compartidos con el artista y con otras personas que aman la misma música. Las experiencias en vivo son donde se construye la confianza entre artistas y fans, donde se forma la identidad de los fans y donde la comunidad se vuelve tangible.

Ya estamos viendo a artistas experimentar con este equilibrio. Fred again.., DJ AG y ARI at Home han mostrado nuevas formas de usar presentaciones en vivo para crear conexión primero, y luego dejar que las plataformas digitales la amplifiquen. Las sesiones de escucha presenciales también se están volviendo más populares y, en el proceso, fomentan la comunidad.

En cada caso, el momento en vivo no es reemplazado por las experiencias online. Es lo que le da sentido a ese alcance.

Salir de gira es caro, y no todos los artistas pueden escalar lo presencial de la misma manera.

Pero la participación, la cercanía y la experiencia compartida están cobrando más valor especialmente en la era de la IA.

Las discográficas independientes siguen siendo inversores culturales

A muchos les gusta hablar de la muerte de la discográfica independiente. Hoy en día, los artistas pueden ir por su cuenta. Para algunos, ese es absolutamente el camino correcto para sus carreras.

Pero para muchos artistas, las realidades de crear, promocionar y monetizar su música pueden ser abrumadoras. Por eso tantos eligen trabajar con discográficas independientes para impulsar sus carreras.

Los datos de ORCA cuentan una historia clara sobre el papel que las discográficas independientes siguen desempeñando. Solo en 2023, las discográficas analizadas invirtieron $134 millones entre 569 artistas—aproximadamente $236,000 por artista.

Casi la mitad de esa inversión se destinó a infraestructura, equipos y capacidad a largo plazo. El resultado fue casi $239 millones en ingresos, con una porción significativa regresando a los artistas.

Las mejores discográficas independientes no son solo intermediarias. Se arriesgan financieramente y creativamente de verdad, apostando por carreras sostenibles, no solo por momentos virales.

La estructura es lo que hace posible escalar

Hay algo que no ha cambiado en absoluto: la música solo genera dinero a escala si hay infraestructura que conecte todas las piezas.

Desde fuera, la industria musical puede parecer engañosamente simple. Se crea música. Se suben canciones. Los fans le dan play. Los streams se convierten en números. Los números se transforman en regalías.

Pero lo que parece simple por fuera siempre ha dependido de algo mucho más complejo para mantenerlo unido.

Los metadatos, contratos y derechos definen la propiedad. Los registros hacen visibles las reclamaciones. Las licencias permiten el uso de la música. Los informes y pagos convierten el uso en ingresos.

Nada de esto es nuevo. Lo que sí ha cambiado es el volumen.

Todavía se puede generar expectativas, pero sostener un negocio depende de tener una infraestructura sólida y de datos precisos haciendo su trabajo silenciosamente en el fondo.

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Construir para lo que perdura

Lo que no va a cambiar en 2026 es esto: las herramientas seguirán evolucionando y los titulares seguirán cambiando.

Pero los artistas y discográficas que perduran no son los que persiguen cada predicción o cambio de mercado. Construyen alrededor de lo que permanece: música de calidad, identidad de marca clara, relaciones de confianza, infraestructura sólida y una comunidad real.

Mirar hacia adelante no siempre trata de predecir lo próximo.

A veces se trata de recordar lo que sigue funcionando — y tener la disciplina para ignorar los juguetes nuevos y deslumbrantes y quedarse con lo que funciona.